Chagall, peintre de la lumière

de Sylvie Bethmont-Gallerand
Propos recueillis par Isabel Rodelet

Sous le titre de « Chagall, entre guerre et paix » c’est une véritable rétrospective du célèbre peintre qu’offre le musée du Luxembourg jusqu’au 21 juillet prochain. A travers quelques tableaux, Sylvie Bethmont-Gallerand a accepté de nous introduire à cette exposition.

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Autoportrait devant la maison (1914).

Marc Chagall, comme Rembrandt qu’il aimait tant, est l’un des artistes au monde qui a réalisé le plus d’autoportraits. Rembrandt en a peint 99, en ce qui concerne Chagall, c’est incommensurable. Il a peu peint le portrait des membres de son entourage. Il aimait se croquer lui-même. Pour un peintre voilà un modèle facile à avoir sous la main ! Il aimait garder ainsi une trace de son évolution, lui qui était selon les mots de Pierre Provoyeur, « le plus grand conservateur de son œuvre ». Et quelle œuvre ! Il a presque vécu un siècle (1887-1985) travaillant sans relâche de l’aube au couchant.

Dans cet autoportrait, il se dépeint en jeune homme élégant devant une isba de bois. Cette isba est une évocation de sa jeunesse à Vitebsk, petite ville de la Biélorussie, dans la zone de résidence réservée aux juifs, que l’on nomme le Shtetl – « où le ciel passe partout ». Il y avait installé son atelier. Pour moi, ces maisons de bois représentent l’intériorité dans son œuvre. A l’extérieur, donnant sur la rue, il y a des maisons de pierres et de briques et des boutiques comme celle de sa mère. Dans la cour, dans l’intime de la famille, et dans l’intime de l’être, il y a ces maisons en rodins de bois qui s’adossent à la campagne.

Le Rabbin de Vitebsk (1914-1922).

Toute sa vie, Chagall a fait de nombreux portraits de Juifs : des Juifs en prière, des Juifs à la Torah et des Juifs errants portant un sac sur l’épaule. Monumentale, la figure de ce juif pieux, portant les phylactères enroulés sur son bras et son front, comme le veut la loi, évoque celle du père de Chagall priant tous les matins, revêtu de son châle, le Tallith. Face à face avec cet homme en prière, nous sommes plongés dans une vision en noir et blanc (deux vraies couleurs pour Chagall), avec un peu d’ocre et un nuage de bleu – généralement les rayures du Tallith étaient bleues. L’espace du tableau est haché, strié, découpé, rythmé, jusqu’au fond qui garde les traces de ce que Chagall aura appris des peintres cubistes.

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Si tous s’accordent à considérer Chagall comme l’un des plus grands coloristes, il me semble qu’il y a une couleur fondamentale chez ce peintre et c’est le blanc. La couleur spirituelle, la couleur du lien de la terre au ciel, des nuages et de la nuée, la nuée biblique. Pierre Schneider appelait Marc Chagall « le nuageux », je dirais « le nuéeux ». Ce blanc n’est pas une réserve, un suspends du pinceau, la couleur du papier ou de la toile laissée en réserve, ce qui pourrait paraître plus lumineux. C’est un amas de pigments blancs et donc quelque chose de dense, une matière picturale qui oblitère l'espace.

Chagall, lui, dit qu’il est bleu : « Je suis bleu comme Rembrandt était brun ». Il conclut son autobiographie, Ma vie (1922), par ces mots « Je suis certain que Rembrandt m’aime »… Mais le nom de son père était Ségol. Un nom russifié en Chagal, auquel notre peintre ajoutera un deuxième « l » en arrivant à Paris, pour mieux voler sans doute. Ségol évoque la racine hébraïque du mot violet. Dans, Ma vie, Chagall raconte que ses professeurs lui dispensaient des cours gratuits car il peignait au moyen de cette couleur inusitée et si peu réaliste. Et la couleur violette-pourpre peut être retrouvée tout au long de son œuvre. Les couleurs qui reviennent toujours dans ses tableaux sont le rouge, le jaune et le bleu, un peu de vert et donc le violet. Il a une façon de les faire sonner ensemble qui n’appartient qu’à lui. Durant sa longue carrière il a souhaité peindre des œuvres de plus en plus monumentales plongeant dans la couleur, en une immersion totale, celui qui les regarde. Dans sa jeunesse, en 1920,  il a peint des décors pour le théâtre yiddish de Moscou et poursuivra cette activité au long de sa carrière, jusqu’au décor du plafond de l’Opéra de Paris en 1965. A la fin de sa vie il réalisera les immenses toiles du Message biblique, conservées en son musée de Nice, et ira jusqu’à peindre des vitraux dont il dit qu’ils sont « une cloison entre son cœur et le cœur du monde », s’appropriant ainsi toute la théologie de la lumière des 13^ème et 14^ème siècles.

En quittant Vitebsk, en 1910, il dit partir à Paris, la ville-lumière, « vers la couleur-liberté ». Nous pouvons aussi noter que, parfois dans son œuvre, l’arc-en-ciel est blanc, alors que les couleurs du spectre lumineux, rouge, orangé, jaune, vert, bleu, indigo, violet – que l’arc en ciel déploie au naturel – sont réparties dans la toile.

Le triptyque : Résistance/Résurrection/Libération  (1937-1948).

Résistance © Tous droits réservés

Au départ, il s’agit d’une seule grande toile nommée Révolution : quelques drapeaux rouges encore visibles sur l’œuvre finale, en gardent la trace. Mais la Russie des Soviets déçoit Chagall, alors il coupe sa toile pour en faire un triptyque. Ce choix n’est pas innocent : le triptyque est la forme par excellence du tableau d’autel chrétien.

Résurrection © Tous droits réservés

Dans ce triptyque, il est possible de suivre l’évolution de motifs d’une toile à l’autre. Ainsi retrouve-t-on trois fois le peintre, trois fois le Juif à la Torah, trois fois la foule, trois fois le Crucifix (Chagall, très souvent, ceint les reins du Crucifié d’un Tallith, le châle de prière comme on le voit sur le tableau du Rabin de Vitebsk). Dans la dernière toile, le Crucifié est moins apparent, relégué en haut à gauche en une évocation lumineuse. C’est la figure d’un violoniste, qui occupe la première place et retient le regard. Il est posé sur une piste de cirque au centre d’une mire ou d’une cible. Depuis la période des impressionnistes et tout au long du XXe siècle, les artistes, tels Seurat, Renoir, Toulouse-Lautrec ou Picasso aimaient beaucoup aller au cirque y puiser des motifs et le souffle de leur inspiration. Ce cirque est devenu, dans leur œuvre, une métaphore de la vie. Rouault peignait des têtes de clown qui se transformaient en tête du Christ. Chagall est lié au monde du spectacle depuis sa jeunesse, Bella sa première femme avait fait des études théâtrales. Il a créé de nombreux décors de théâtre et de ballets. Ambroise Vollard, son marchand avant la deuxième guerre mondiale, avait mis à sa disposition une loge au Cirque d’Hiver.  

Libération © Tous droits réservés

Sur la première toile de ce triptyque, le peintre est couché au pied de la croix, sur la deuxième il fait corps avec le corps du Christ, sur la troisième il fait face au violoniste.

Il y a, pour Chagall, un lien très intime entre le peintre et le crucifié. Ce que montre une toile dans la même salle (Devant le tableau, 1968-1971) dans laquelle Chagall se représente lui-même en crucifié, son nom « Chagall » apparaissant en lettres hébraïques sur le titulus (ou pancarte) à la place de la mention INRI (Jésus de Nazareth roi des juifs). Le crucifié, dans ses tableaux, est la figure du peintre qui se donne. Il se voit lui-même « donnant sa vie pour ses amis » (Jn 15, 3), livré à son art, à ceux pour qui il peint, c’est-à-dire l’humanité toute entière. Ici il offre son cœur : sa main se détache de la croix pour offrir son cœur au monde.  Nous voyons ici comment Chagall s’approprie ce motif de l’art chrétien et « la figure du Christ qui depuis l’enfance l’obsède ». Il a 84 ans quand il peint ce tableau, or le monde de l’enfance ne le quitte pas. Au centre de la toile, comme enchâssé dans la nuée blanche, un tableau dans le tableau que le peintre à tête d’âne peint devant nous, est noir comme un tableau d’école sur lequel une craie blanche trace des motifs. La croix se détache sur l’habituelle rue de Vitebsk, veillée par ses parents (et non Marie et Jean). Il se représente sur la croix mais également à côté de la croix, avec une tête d’âne. Ce qui peut évoquer l’animalité, celle d’un peintre qui possède les qualités comme les défauts de cet animal biblique : la paresse, voire la bêtise, mais aussi la fidélité, l’humilité qui en font la monture de Moïse (premier prénom de Chagall) comme celle du Messie.

Devant le tableau © Tous droits réservés

De l’ensemble de cette exposition, nous pouvons encore relever l’importance de la foule dans son œuvre. Peu d’artistes se risquent à peindre la foule. « Sa » foule, ce sont souvent des Juifs qui viennent de subir un pogrom et qui entourent parfois le crucifié (ce que l’on retrouve peu dans les images chrétiennes de la crucifixion, sauf pour évoquer la montée au calvaire).

Chagall a vécu 98 ans, c’est un long parcours lui a offert le temps de produire une œuvre gigantesque où chacun, quelle que soit sa religion ou ses convictions, peut se retrouver. Sauf pour les nazis qui ont détruit certaines de ses toiles, il n’a jamais été un artiste maudit : le succès et la reconnaissance l’ont comblé dès qu’il a commencé à peindre. A mesure qu’il progressait en âge, son message semble s’être résumé en un seul mot : l’amour. A la fin de sa vie, comblé d’honneurs, mais resté humble et libre, il souhaitait que son œuvre soit un message universel d’amour et de paix.

Comme le disait son ami le poète Guillaume Apollinaire, « la joie venait toujours après la peine »… Chagall nous laisse un œuvre multiple (faite de gravures, de peintures, de sculptures, de vitraux, de tapisseries, de mosaïques et de céramique) où le rire se mêle aux larmes, et une certaine gravité – au sens du mot biblique de « gloire », de « poids » -, est toujours liée à un humour allant parfois jusqu’au grotesque. Mais toujours la lumière est première, car pour lui la couleur, c’est la lumière, une « lumière-liberté ».

Sylvie Bethmont-Gallerand, biologiste de formation, pratique la gravure sur cuivre (eaux-fortes) depuis l'âge de 11 ans. Depuis de nombreuses années, elle enseigne l'iconographie biblique à l'Ecole cathédrale de Paris et à l'Ecole Normale Catholique en hypokhâgne.